Si vous êtes ici pour la collection Nirvana, vous avez probablement vu l’animation qui l’accompagne :
Découvrez la collaboration Nirvana
Nous avons rencontré l’animateur derrière cette œuvre dans une interview exclusive.
Interview avec Patrick Smith, animateur de la vidéo de lancement Nirvana
Quel est votre nom, d’où venez-vous et où habitez-vous actuellement ?
Je m’appelle Patrick Smith, je suis né à San Juan, Porto Rico, en 1972. J’ai grandi à Boston, Massachusetts. À l’âge adulte, j’ai vécu une décennie à New York avant de m’installer à Singapour pendant 5 ans. Puis, depuis dix ans, je vis à Montauk, New York, avec ma petite famille et notre chien Hutch.
Avez-vous un magasin d’art ou de disques local que vous aimez fréquenter ?
J’ai la chance de vivre ici à Montauk où la culture artistique et surf est florissante. Je passe littéralement à côté du « Memory Motel » rendu célèbre par les Stones. Il y a de l’art partout, il est difficile d’entrer dans un endroit sans voir une forme d’art local exposée. J’ai aussi la chance incroyable d’avoir Innersleeve Records à proximité, dans la ville voisine d’Amagansett. C’est sûrement l’un des meilleurs magasins de disques vintage et neufs de la côte Est.
Revenons à votre art... quel a été votre premier travail rémunéré dans ce domaine ?
Mon premier emploi consistait à concevoir des personnages pour Mirage Studios dans l’ouest du Massachusetts, qui publiait alors les Tortues Ninja. J’ai été rapidement licencié et je ne pense pas que les personnages que j’ai créés aient abouti à quoi que ce soit.
Comment décririez-vous votre style artistique ?
Une animation décalée inspirée par l’art skate de Jim Philips, les comics de Jamie Hewlett, ainsi que l’animation légendaire de Bill Plympton. Mon style est image par image, dessiné à la main, dans la tradition des maîtres Disney, mais psychédélique. C’est une méthode difficile et fastidieuse pour faire de l’animation, mais c’est comme ça que je dois faire.
Vous avez travaillé sur le dessin animé Beavis and Butthead. Comment avez-vous obtenu ce travail ?
À 23 ans, j’ai envoyé par hasard une cassette VHS de mon animation morphing bizarre à MTV. À ma grande surprise, ils m’ont appelé quelques semaines plus tard pour me demander de produire un spot ID de 10 secondes pour une grosse somme d’argent. Je me souviens très bien de cet appel car c’était le même jour où j’ai été refusé à la California Institute of the Arts. Ce spot ID est devenu le plus diffusé de tous les temps et a remporté plusieurs prix sympas. Ensuite, ils m’ont proposé un poste de layout sur Beavis and Butthead... ce qui m’a amené à New York et lancé ma carrière dans l’animation. C’était une époque vraiment unique à New York, nous formions une communauté soudée d’artistes d’animation, tous travaillant dur pour créer des choses cool.
Travailler sur une émission comme celle-là était-il l’objectif ultime pour quelqu’un dans l’animation ?
Beavis and Butthead était une introduction parfaite à l’industrie. Je n’étais pas intéressé par l’animation pour enfants, et j’adorais les courts-métrages de Mike Judge que je connaissais grâce au Spike and Mike’s Animation Festival, comme Frog Baseball et Office Space. À cette époque, on m’a aussi demandé d’aider à animer la séquence d’hallucination du premier film Beavis and Butthead, un segment conçu par Rob Zombie. C’était amusant car j’ai pu travailler plus près de mon style personnel. Donc, Beavis and Butthead n’était pas vraiment un objectif ultime, mais c’était génial de faire partie de cette histoire, et ça a beaucoup aidé ceux d’entre nous qui débutaient dans l’animation.
Votre chaîne YouTube est très impressionnante. Quand avez-vous mis en ligne votre première vidéo et a-t-elle eu un succès rapide ou progressif ?
Ma chaîne est restée inactive pendant des années. Je l’utilisais comme un espace pour héberger certains de mes courts-métrages animés après leurs passages en festivals. Mais en 2019, tout a changé quand j’ai publié « Pour 585 », un film qui a eu un bon parcours en festival, se qualifiant même pour l’Oscar du meilleur court-métrage d’animation. Lorsqu’il est arrivé sur YouTube, il a explosé (il compte actuellement 256 millions de vues). J’ai réalisé que j’avais vraiment un public, ainsi qu’une bibliothèque d’autres courts-métrages réalisés au fil des ans, alors j’ai monétisé et commencé à produire des films plus régulièrement. Nous avons maintenant 2 millions d’abonnés, et ça ne ralentit pas... c’est génial. J’envoie toujours mes films en festivals, mais ce n’est plus mon mode de distribution préféré. Je ne peux que remercier la plateforme YouTube et le public qu’elle a offert à mon animation.
Si quelqu’un vous demandait comment commencer à faire des animations, quel conseil lui donneriez-vous ?
En supposant que vous ayez une connaissance de base du dessin et de l’animation, je vous conseillerais de faire quelque chose de très court, moins d’une minute, voire moins. Faites-le d’une manière totalement différente – que ce soit dans l’histoire, le design ou la technique. Répétez. En faisant cela, vous apprendrez et vous améliorerez à assembler les choses. Vous finirez par trouver la bonne technique et l’application adaptée, et vous progresserez... c’est tout un voyage. Les universités proposent des programmes d’animation, ce qui est génial si vous pouvez y accéder, mais ce n’est pas indispensable. Je suis autodidacte, comme certains des meilleurs animateurs que je connais.
Quand nous vous avons découvert, la première chose que nous avons remarquée était que vous portiez une casquette Thrasher Magazine. Alors, il faut demander, quel est votre parcours en skateboard ?
Je fais du skate depuis les années 90. Je suis incroyablement reconnaissant pour cette culture, ainsi que pour l’art qui en découle. Si vous continuez à faire du skate, cela devient votre identité, pour le meilleur ou pour le pire, et influence pratiquement tous les aspects de votre vie, vos amis et votre art. J’ai 52 ans et je continuerai à faire du skate tant que je le pourrai. Jusqu’ici, tout va bien.
La collection Nirvana est maintenant lancée, et la publicité est sortie mieux que ce que nous aurions pu imaginer ! Pouvez-vous décrire le processus qui a mené à cela ?
La publicité est une folie entièrement dessinée à la main. Je me suis simplement assis et j’ai imaginé différentes façons de dessiner ces montres uniques en train d’être révélées, en utilisant des torsions, des morphings, en étirant des visages et des bouches, puis en animant ces concepts avec plusieurs centaines de dessins en couleur. Tout au long du processus, j’ai essayé de rester fidèle au style de mes jours chez MTV, ce qui signifiait canaliser une simplicité de design tout en conservant un sens étrange du mouvement viscéral. Le logo Nirvana aux yeux en X s’est parfaitement intégré à la pièce, lui donnant une ambiance unique des années 90.
Découvrez la collection Nirvana
Quelle est votre partie ou détail préféré en travaillant avec les montres Nirvana et quel a été l’aspect le plus difficile de ce projet d’animation en particulier ?
Le défi de transformer une montre mécanique en une bouche charnue et extensible... Je me suis un peu demandé « comment diable vais-je faire ça » ? Mais la chose folle avec l’animation, c’est que les dessins prennent vie au fur et à mesure, ils commencent à prendre leurs propres décisions et à résoudre leurs propres problèmes. Un autre élément de la production était le design sonore, je veux dire, à quoi ça ressemble ? Nous avons opté pour une série de bruits de métal raclant et grattant, ainsi que du cuir qui craque et des manipulations de ballon. Puis, en dessous de tout ça, un battement de cœur subtil, un tic-tac d’horloge, et enfin, un échantillon de batterie.
Merci beaucoup Patrick. Avez-vous des remerciements, des dédicaces ou des mots de conclusion à nous laisser ?
Oui... Un grand merci à mon ami Dan Keotke, qui a fait l’échantillon de percussion, c’était un batteur incroyable qui n’est plus parmi nous. Repose en paix mon frère.
